企画展「Idemitsu Art Award アーティスト・セレクション 2024」

昨年、初めてIdemitsu Art Awardの審査を担当し、現代における平面や絵画表現の多様さと、それゆえの難しさを改めて考えさせられた。というタイミングで見た赤松加奈のみずみずしい作品は、ともかく絵の悦びに満ち、一気に原点へと立ち返らせてくれるものだった。画面に踊る色とかたち。絵が生きている。そして赤松は農業にもたずさわりながら描き続けていると知って、すとんと腑に落ちた。ここには植物にせよ風景にせよ、作者も見る私も日々向き合い、等しくその一部である世界が息づいている。それを絵にする方法は、一見シンプルなようで、さまざまな時代のこの国や地球上の絵の言葉が自在に取り入れられており、という意味では2024年の今だからこそ、今しかできない表現だろう。日々の暮らしが大きな変化の最中ということもあってか、最近の作品はとりわけ生き生きと、次の何かへの予感をはらんでもいる。まさに今、目が離せない描き手の一人である。

大槻さんは「うつす」ことによって絵をつくります。日常の風景の写生や古画の模写から得られたイメージをつなぎあわせ、本画として描きうつします。彼は、写生や模写の際、対象の違和感に関心を向けます。ゆえに彼にとって、うつすこととは客観的に対象を把握することではなく、主観的に気になってしまったものを抽出する営為だと言えます。しかし彼の場合、うつしつつ、同時に自らがうつさなかった、あるいはうつしとれなかったものをいかにして表すかが肝要であるようです。たとえば彼の作品にしばしば設けられる大きな余白は、つねに別のイメージが立ち現れる可能性を、換言すれば、描けたかもしれない可能性や、描けなかったという不可能性をも表象する面として機能するように思えます。彼の絵画は彼が個人的に面白いと思った断片を散りばめたものというよりは、とある光景からなにかに気づき、そこに私たちの焦点が持っていかれるような感覚そのものを表現しようしているのではないかと思われます。

アクリル絵具のにじみやぼかし、重なり、流動性を生かした抽象画である。植物や山などの具象的な自然の像を見出すことができることもある。支持体とその上に乗る絵の具というヒエラルキーを無くし、画布と絵の具を一体化させている点で、モーリス・ルイスのステイニングに見られるようなモダニズム絵画の伝統を引き継いでいる。その結果、額の内側で完結する、窓の向こうの世界としての絵画ではなく、キャンバスの木枠などを含めたオブジェとしての絵画という要素が強まっている。そのため、さまざまな環境、たとえば、和風の居住空間のような場所でも、すんなりと溶け込むことができる。明るい色調ともあいまったこのポップさは、1960年頃のストイックなモダニズム絵画の実験においては否定的に語られたかもしれないが、現在の絵画の状況においては、魅力として捉えることができるだろう。

松平莉奈は、「他者について想像すること」を主題に、日本画の技術や画材を用い、制作を続けてきた。
ここでの「他者」とは何であろうか。たとえば作品に描かれる人物。松平は多くの人物画を手がけてきたが、それらは自画像でもなければ自己を投影したものでもないとも明言する。この距離のとりかたは、作者が立脚する日本画に対する態度とも通じている。中国や朝鮮半島の絵画からの影響、国民国家の形成のなかで西洋画の流入に伴い作られた「日本画」という呼称。その歴史のなかに、日本画の教育を受けてきた自分自身が含まれることを自覚している。その上で現在の視点から批判的に考察し、描法や主題、図像を吟味し描く。松平の作品は、隠され、見えにくくされてきた網の目をもほどいてゆく。度々表わしてきた紐のモチーフは、何かと何かを結び合わせ、美しく装飾し、同時に縛ってきたような両義的なありようを引き受け、表層に漂っている。