企画展「Idemitsu Art Award アーティスト・セレクション 2023」

私たちはみな同じ色を見ていると思いがちだが、色に対する知覚と色の概念には個人差があり、隣人がどのように認識しているかは本当のところわからない。たとえば地平線の青空と雲が溶け合ったような領域を、人によっては水色、灰色、白色などと言うだろう。
黒坂祐は自身の色覚特性を公表している画家で、端的に言えば赤と緑を区別しづらいそうだ。だからといって、彼は自分が見える世界の風景を見たまま描いているわけではない。知覚しづらい色も概念としては理解できるから、多くの人が一応共有している色のルールを自身の制作に適用することもできる。近頃、彼は自身の個性を活かし、あえて自分が識別できない異なる色をパレット上で混ぜ、その色の幅で描くことを制作過程の一部に採用している。作品の色合いは既存の体系とたまたま沿うこともあるだろうし、全く異なることもあるだろうが、それはものの固有色でもないし、作家の印象でも内的感情の発露（表現）でもない。このように黒坂は色を既存の役割から解放し、まだ見ぬ色の潜在力を見つけ出そうと試みている。

2022年、青森公立大学国際芸術センター青森で、橋本の個展「影を誘う」を見た。画面の奥へと木々の間を伸びてゆく道の風景を鉛筆で描きこむ細密画風のドローイング《To the Forest》のほか、余白を生かしたドローイング《In the Forest》もあった。シルエットで示された葉の影は、色の濃い手前の層と、色の薄い奥の層があり、重層的な空間が画面内に示されていた。この重層性は、《To the Forest》でも、鉛筆で描かれた額縁や、折り曲げられた基底材の紙というかたちで現れている。資生堂ギャラリーでの個展（2020年）でも、その特徴は顕著に見られ、絵の前に吊るされた電球の影が、展示室のコーナーに合わせて折り曲げて展示された絵にかかり、描かれた影と現実の影が重なる。画面の中に導き没入させる細密さと、身体を巻き込む空間性の両立が橋本の魅力である。

松岡柚歩の作品は、まるでテーブルの上に散りばめた色紙の破片のように、物質感のある画面が特徴的だ。ただしそれは紙の重なり合いとは違う、透明感のある光と色の重なり合いであり、その色と色の組み合わせは、例えばオレンジと青、あるいは赤と緑といった補色（反対色）の関係にある。一見自由で即興的につくられた色と形のようにも見えるが、実際には色の輝きが引き立つような配置と、進出色と後退色のバランスとが考えられた構築的な絵画である。20世紀の初頭に出発した抽象絵画が、音楽との関係の中で語られるように、松岡の作品もまた、初期の抽象絵画を彷彿とさせる、リズムと旋律を感じさせる色と形が奏でるポリフォニーのような魅力を放っている。

「シェル美術賞／Idemitsu Art Award」は平面作品を対象とする公募展であるが、絵画出身の作家がその後平面以外のメディアの制作へと移行し、活動を展開させるのは何も不思議なことではないだろう。山中春海もその一人で、近年映像作品を中心に制作・発表している。私が2022年6月に見た展覧会では、現代日本社会における歪みの影響を直に受けながら生活する演者の「声」を引き出した映像作品をメインに、眩い光差す窓辺の植物を描いた絵画群も展示されていた。一見同じ作家のものとは思えない異なるスタイルのそれらは、窓や光といった共通項でゆるやかに連関し、大きな問いに向かい、交わっていた。ある「シーン」を制作の契機としながらも取材と調査を重ね構成し、多層的に観る者の前に開かれる作品のあり方に興味を惹かれた。
今回の展示に向けて、山中は映像と平面作品を並行して制作しているという。昨年から継続する人物（演者）への取材から見えてきた風景を起点に、異なる時空間、記憶の中のイメージと現実を作品のなかでどのように接続させるのか楽しみだ。