企画展「Idemitsu Art Award アーティスト・セレクション 2022」

倉敷安耶の作品には、パフォーマンス的な要素を含むものや立体的な構造物によって成立するものなど、さまざまなタイプがある。その中でも《Transition #Ophelia》と《Transition #Salome》は、美術史上の絵画に、現代日本の別の既成のイメージを合成し、転写することで、ややざらついた印象の作品へと仕上げる平面的な作品である。
シェイクスピアの戯曲『ハムレット』の登場人物である「オフィーリア」、そして新約聖書に登場する「サロメ」。ともに自らの意志を通そうとするあまりに、狂気にとらわれた女性として、戯曲や絵画などに描かれてきた存在である。倉敷はここに男性中心の古い社会の中で、犠牲になってきた女性の姿を認める。そして現代社会におけるヘテロセクシュアルな男性の都合によって生まれた女性のイメージとして、アダルトビデオに登場する女性たちの身体を重ね合わせるのである。絵画の歴史に対する批評的アプローチであるとともに、自身もまた女性として同じ歴史を反復する立場にいるのではないかと自らを省みようとする態度表明としての作品としても見えてくる。

大学院で保存修復学を修め、古典絵画模写の技術をもつ中尾美園さんの作品は、伝統的な日本画の描法で表された絵巻物や掛け軸などのかたちで発表されることが多い。描く対象として彼女が関心を寄せるのは、消滅したものや、消えゆくものであるという。それらは丁寧に観察され、紙の上に写し取られる。いわゆる「リサーチ」を経て生まれる個々の作品は、たいへん静やかに、あるいはおしとやかに、展示台の上やケースの中に納まっているように見える。がしかしさにあらず、そこに描かれしものたちは、ときにざわめきすら覚えるほど、紙の上で踊り出さんばかりにいきいきと見え、とてもアツいのだ。あらゆるものをスマホで撮影し、記録として気軽に残せるようになった今、彼女はまだなお、モノの状態を丹念に手描きで模写する。とはいえ、完璧に写し取った時点で完了するのではない。さらにそこから、自分の作品としての表現が展開し、過不足ないインスタレーションへと結実する。今回、中尾はなにに生命を再び吹き込もうとしているのか、楽しみだ。

初めて永井里枝の作品を目にした時、一見、美大の学生が描きそうな日本画に見えた。伝統的な花鳥風月ではなく、ガードレールのある道路や自動車、ガラスの瓶など現代的な身の回りのモチーフを描くことで「日本画」というジャンルを更新しようと試みながらも、丁寧に描かれた風景や静物の具象性はその枠を壊すことなく、様式化してしまっているような絵画。だが、箔を使った銀色と多用される顔料の赤とが、大きな画面のなかで絡み合う様子を眺めているうちに、それだけでは済まされない魅力が永井の作品にはあるように感じられてきた。それは描かれる空間の広がりによるもののようにも思われたし、多くの人たちが集い、行き交うはずの場所に人物がいない空虚感によるもののようにも思われた。2016年にシェル美術賞に入選した後、2019年にベルリンで滞在制作している。ベルリンでの経験が作品にどのような影響を与えたか、期待を込めて推薦した。

誤解を恐れずに言えば、芸術表現には現実と関わらない自由があっても良いのではないかと時折、思うことがある。現実がかくも苛烈であればこそ、慰めや気晴らしなどではない、想像上のアジール（避難所）としての表現の可能性について考えたくなる。福田さんの描く絵画空間には、そのような片鱗が感じられる。大抵の場合、グレイの空間のなかに孤立した何らかのモチーフが描かれている。空間とモチーフとの境界はあいまいだが、不分明なのではなく、丹念に重ねられた筆跡によって、流れる空気のざわめきやモチーフの微細な震えといった、目に見えない要素が描き出される。それは漠然とした心の不安を見つめ、かたちにし、克服していく過程であるかのようだ。空間は閉じていない。ほとんどの場合、窓や穴、そして外から射しこむかのような光の束が描かれており、外部の世界が示唆されている。モチーフはやがて外に出ていくのかもしれない。そして別のモチーフが絵画空間にやってくる。ひとまずはその繰り返しなのだろう。