シェル美術賞2018　受賞・入選作家一覧

「自分を見る」という事がテーマの一つです。鏡や写真で自身を見るというのは必ずしもそれではなく、自己認識というのはもっと複雑なものだと思います。他人を見て自分を重ね合わせたりするものです。また今回の作品がこれから多くの方の目に触れる事にスリルと幸せを感じています。これから見る方に新しい発見や驚きがあればいいなと思っています。

時々、他者のような自分が私を観測していて、絵を介してそこにある図像が固定的に解釈されないことを楽しむように次の一手を待っているのではないかという気になります。
ここにいる私はそれを確認する必要があり、意味や理由で補完できないような意識、状態、状況を描くことを行なっています。
ここにいる私もまた、私の観測者であるのだと思います。

人を愛するというのは大層切ないものだと知りました。どうしようもないのです。私にできるのは、描くことと祈ることくらいです。

生活の中で目にとまった物事をまずは描いて、画面の中でそれを展開させていくというのが近頃の制作の流れです。
その際、主に形から入るか、情景から入るか、という二択になりますが、今回は形から入りました。
最初は割れ目だけがあり、外堀を埋めるように体が出来ました。すると意識もだんだん俯瞰へと移っていき、少し壮大なテーマのようなものが浮かび上がってきたように感じました。

今自分が思っていること、
感じたこと、何を考えているか、どうしたいのか、
自分の頭の中で起きている物事をキャンバスに向けて制作をしています。
私の作品制作は、支持体を作るところから始まります。
物語を作り上げていくように、木材を組み立て地塗りキャンバスを作り、
作品（になる前の状態だけど）と会話をするように、
油絵の具と鉛筆で描いていきます。
全部ぜんぶ、息を吸うように、私と作品はぴったりとくっついていたいのです。

私の作品は、常にどれだけちいさな声をひろうことができるか、その声をイメージの断片によってすくいあげようとする試みです。
ちいさな声とは、自身を含めたひとりひとりの日常の中で抑圧された心です。私は、作品を通してどうにも意味のつけようのない永遠性を伴う心の在りかを示したいと思っています。
板を黒色で広げ、直接イメージを彫り込んだ行為の痕跡が鑑賞者の心と共鳴することができたらと願っています。

私は絵を描くとき、キャンバス上に絵の具を垂らしたり、印刷物を転写してみたり、文字やストロークを入れたりして、描くためのきっかけをつくっています。そこから見えてきた形や線、色彩を拾い、それらが組み合わさって見えてくるイメージを、具現化していくことを試みています。また、このような方法論を用いるにあたって、絵の見え方としてどう処理するのが適切なのか、実験的に制作しています。

現在は、その時々の思いつきで絵を描いています。
下描きは頭の中でぼんやりとだけ考え、キャンバス上で模索していきます。それにより自分が想像できなかった形、色を発見できます。
また、その時々の感情が作品に影響を及ぼすことが多く、どれも私的な絵です。心の内にある感情を発散するための手段として絵を用いることがあります。

ふとしたきっかけで一見関係のないように点在していた出来事が繋がり、見えている景色がまったく変わってしまった瞬間が忘れられない。
絵画は様々な要素が、ぴたりとそれぞれ正しい位置についた時、その瞬間絵画になるのだと思う。1つ1つのモチーフがそのものの意味を超え、1枚の絵画に成り立つその瞬間を描きたい。
絵画を通して、忘れられない瞬間にまた出会いたい。

外を歩いたときに窓や庭の隙間から不意に人々の生活を垣間見ることが新鮮でならない。
それらは現実を超えた現実のようである。
つまらない日常を受け入れていくことは残酷なことなのかもしれないが、
版を介して書いていく中でこの感覚を具体的にしていきたい。

可能性を秘めた白い平面に対して何かを描くというよりも、淀みなく流れるという抽象的言語を頼りに点をうち、線をひいていく。
私が観つめる対象、その存在は絶えず震えている。描こうとする私自身も絶えず震えている。支持体に定着しようとした図も、まわりの地により震え始める。
対象にのみ込まれない様に主体は自分だと思いつつ静かに落ち着かせる。

ここ数年、いなくなった人に捧げる花というテーマで制作していまして、本作もその延長線上にあります。時に、その花はその人自身の変身でもあります。
描くのはたいてい向日葵かクリスマスローズです。向日葵は8月＝死者の季節に咲く花として、クリスマスローズは戦場のクリスマスの逸話からの連想です。
体験しなかったもう一つの過去の世界に、そんな花ばかり咲いている場所がある気がします。

私の中にはたくさんの生き物が存在しています。彼らは皆私が創り出したものであり私自身でもあります。

記憶を辿って絵を描くと最初の考えと感情が予想できなかった外部要素の影響で違う意味が重ね合わされたりします。
その変化の間に苦悩する意識の流れに沿って画面の中に大小の成功と失敗の筆の残り跡が重なります。このような予想もつかない意味やイメージを求める過程が水面に上がって来ながら時々画面全体に霧が立ち込めたかのように筆の残り跡で埋まった絵が作られます。私の身振りが創り出した絵画の言語は完成します。

ものの形の流れと自分の心の動きが呼応してつくられる線を引いて空間をつくりだしています。

個人的な出来事や感情など、"自分"をテーマに制作しています。この作品は己の置かれている状況から抜け出そうとチャンスを伺っていたが我慢できなくなり暴れている、暴れたいと思っている自分を表したものです。

しばしば描く人影は"あのひとたち"や"隣人"と呼んでいる。
奈良の山奥で育った私にとって、森の奥に対する「これより奥は私たちの領域ではないな」という感覚は当たり前のように染み付いている。
あちら側とこちら側、またその境界について、というのを意識して制作をしている。

初めて絵を描いた。描く前も描いた後も私の人生にはいろんなことがあった。自分にとって絵画は何か言いたいことがある上で手段として選ぶもの。真剣な気まぐれのようなもの。

私の仕事は描くことです。理解、解釈は見る方にお任せします。作品が本当に完成するのは、その瞬間。私の作品は完成しましたか？

絵画の「文化史」や「物語性」について考えることによって、従来とは違った形での絵画の評価軸について検討し、納得と違和感の間で宙づりになるような、複層的に開かれた絵画の鑑賞体験を目指している。今回の作品では、作品が額含みでの画面の収まりと額なしでの画面の見え方という2通りのフレーミングを行き来しながら、画面内では複数のパースペクティブとモチーフの集まり方によって視線が循環しつつ拡散するようなものになることを意識した。

戎(いくさ)の気配を感じると、人はそれに抗うかのように可愛く、美しくなっていくような気がした。
ふと、「ボルゲーゼのアレス」のように、軍神でありながらも荒々しさがなく美しく、そして怒りと慈愛のある姿を思い出した。一見矛盾している感情や事柄もきっと繋がっているのだ、と思いながら制作をした。

今から約29年前の事です。平成元年、私が生まれました。
約20年前の事です。子どもだった私は"ワールドカップ"という題名で、ターバンを巻いた各国の政治家たちの頭を茶色に塗ったコラージュでコンペディションに初めて入選しました。大人が自分の作品を観て笑っている意味が、当時はまったく分かりませんでした。
そして、平成最期の秋、私はまたソレっぽいものを描いていました。つまり、20年ぶり2度目ということです。

『"社会というコミュニティの中での強制的調和性"に対する反対力』をテーマに掲げ、製作しています。この社会に「この人（物）はコントロールする事ができない。いくら愛情を注ごうが歩み寄ろうがまったく反応しない。それどころがこちらに対してはっきりとした嫌悪感すら抱いている。」という何かを存在させたい、させるべきです。それが足りないが為に人は奢り、腐るのだと思います。

そこが日本でも外国でも、些細な日常の風景は時としてとても普遍的なものに感じます。そこにある”見えない余白”を意識しながら今年は制作してきました。お金も場所もない私が手っ取り早くインスタレーションをする手段が平面だったため、絵を描くというより「空間を作っている」感覚の方が強いかもしれません。

ある時代、ある集団によって共有されるある思考は、時に狂気をはらみつつ肥大し、
混沌とした感情風景を作り出します。それは人々を盲目にし、理性を失わせるのです。

箱庭を制作したのち、撮影し、その写真を見ながら描きました。
写真という手法を間に挟むのは、実物がいかに生々しくても一度フラットになる感覚があるからです。
フラットなイメージを見る（視る）先にどんな解釈が生まれるのか。そこに興味があり、その延長線上に絵画があります。

一枚でも増減しても、並び替えても成立する絵。気づけば自分以外を、世の中を意識したパーツを、見映えよく整えながらもどうにかそこから抜け出したくて描いてきた。こうみられたいとか、これくらい描かなきゃいけないとか、もう色々しらない。だけどどうしたってここにいて、ここがあるから描いてもいる。じゃまっけなパーツをどれだけへらせるか。外のことはなるたけしらないふりで、ばればれだって居留守をつかって描いていく。

自分はどのような絵を描いていきたいのか模索中の制作から生まれた作品でしたが、このようなかたちで多くの人に見ていただけることとなり大変驚いています。また展示期間をとおして何か学びとれればよいなと思っています。
私の中でも次の制作に繋がる一枚となりましたので、その作品が入選をいただき大変うれしく、自信にも繋がりました。

路地の多い観光地の街に住んで、9年ほどが経った。
今年は脱獄犯が近くに潜伏したり、豪雨による断水で銭湯に2時間並んだりした。
今もよそ者の気持ちで住んでいるが、この街の感覚が掴めそうな気がして来ている。

目の前に置いた画面はいつも初めてで、他のところであったことをそこでやることはできない。常にそうであれば、それはとても不安定な状態で、普段生活しているときの意識と比べると、とても怖いので、何か知ってる事や事前にわかることに置き換えたくなるけれど、そうはせず、今の感覚を大事にすることができれば、自分だけが最初に見る、その絵の真実のようなものに出会える。

最近は、①線で円を描いたことによって生まれる内側と外側の違い②「線」と「図」の境目③制作場所の広さと画面の大きさと身体の動きの関係、という3つのことに主に興味があります。

何気なく見えてしまう虚像に不安や恐怖、疑いを抱く。例え目に見えているものでも形にすることで納得し安心する。そうやってリメイドすることは自分の中の記憶と概念のエラーなのかもしれない。

私の身体は生まれた時、私のものでした。しかし、国籍・性別・職業・健康状態といった様々な性質で私の存在は分断され続けていく過程の中で、少しずつ自分の身体が失われていく感覚がありました。
私の場合、絵を描くことは失った自分の身体を取り戻すような行為だと思っています。
そして今は、私の身体は私のものであり、それぞれが持つ身体の存在を呼び覚ますような絵が描きたいと思っています。

モチーフに合わせ物語や登場人物を設定し、イメージを固めながら制作をしています。
しっかりとしたストーリーがあるものから、一瞬の一コマを切り取ったものなどスタイルは様々です。
「Flower crown」は、花嫁がこれから訪れる輝かしい未来へ歩みだすシーンを想像しながら描いた作品です。

考えることから解放する　 自分自身でコントロールするのではなくもう一人の自分に任せる

福祉や医療の職場で、人の命や人生の終末期等を身近に感じてきた経験から、人間の尊厳や命の尊さや儚さ、生きることや死ぬということを制作のテーマとし試行錯誤してきました。繰り返し線をひくという行為の集積によって生まれる作品は、言葉にしがたい日々の自身の記録であり、今ここに生きているという痕跡ともなっています。
"限りある命のなかで、今という時間・この瞬間を大切にしたい"という思いを込めています。

赤い糸とカラスをモチーフに、心の中の毒の部分を描き出す努力をしています。
タイトルの「月が鏡になればよい」は「遠くはなれて会いたいときは 月が鏡になればよい」という、古い民謡からとったものです。久しぶりのお泊りデートをドタキャンされて、やけくそになった女が呑んだくれた様子を描きました。
日本画材が好きで、雲肌麻紙の美しさを消さないように紅茶で紙を染め、自然に古びた色を出しています。

2005、6年から出品を始めたシェル美術賞。それから毎年必ず3点応募するようになった。2008年の初入選の感動は忘れられない。今年のラストイヤーにこうして選んでもらえたことはラッキーです。作品は自ら撮った写真を元に描いてます。お面をはずして歩いている後ろ姿が面白かったので急いで撮った。その時はまだ絵に描けるかわからなかったけど描くことが出来た。

対岸が燃えている。
無力さ、やりきれない苛立ちと、フラットな気持ち、例えばいつもの形態に対する探究心とが混ざってこれを描かせた。画面には、その出発点とは別物の空間が残る。私の絵画はこのように本来の意味から切り離し遠ざかることのみに活路があるのか、本当にそれで本質に向き合ったことになるのか、疑問を突きつける。

都会って、ごちゃごちゃ。

「生命とは何か」を主題に、岩石をモチーフとした制作を行い、近年では、岩石の周りに存在する生物や人々の生活に焦点を当てるようになり、昨年の飛鳥アートヴィレッジの参加から「墓」をテーマに制作をしています。明日香村には現在でも古い墓地が多数残っており、遺骨は直接土に埋めるそうです。
土に染み渡る命と、その標として立て並べられた石の情景には、「死」というイメージ以上に、命の巡りを実感するものがありました。

私の制作テーマはONENESSです。7代先の子孫に美しい地球を残すために、私たち人間が何をすべきか。採りすぎたり、汚しすぎたり、使いすぎたりしていないか。私は生き物の命の輝きを描くことで訴えていきたいと考えています。水や空気と形あるものの境目のすれすれのところ…、具象と抽象のすれすれのところ…、大人と子供のすれすれのところ…、生と死のすれすれのところ…、様々なものの境目にこそ真実があると信じて描いています。

1日に100枚ほど写真を撮ると私自身が納得する写真は100枚撮ったうちの4枚程度です。納得のいかなかった写真は目で見たときの感動をファインダー越しでは収められなかったものばかりです。それを絵画に置き換えることによって目で見たときの感動やそれ以上のものを表現することができると考えました。

幼い頃、動物とパートナーのような関係になる事に憧れを持っていました。
しかし現実は、鳥や野良猫には逃げられるし、飼い犬さえも懐きませんでした。
そんな私が大人になって表現する憧れの世界は、動物と人間の関係は他人行儀で、絵と鑑賞者の間にも距離感ができます。
意図した事ではないのですが、私にはそれがとても心地良いです。

色面構成から浮かび上がる画面の向こう側にある風景と、それを見せる事を妨げるように表面に塗られたマチエールの主張、色面単体の存在感がせめぎ合い、何を見ているのか分からなくなる。
見ることは目の前にあるイメージと過去の経験から思い起こされる記憶が繋がり、はじめて認識できる。
その一連の作業が出来そうで出来ない、思考が漂うような体験は、本物っぽいものが溢れる世の中にとっては必要なものだと思う。

絵画表現とは何かを伝えるものであるとおもっている。
伝え方は様々だが、説明的で作為的な絵画は苦手だ。
日々微妙に変化する自分の気持ちを絵の具が乾けば画面に重ねまた乾いたら塗り重ね続けた。
結果一方的な想いにより絵具がいびつに重ねられ画面は見えにくい。気持ちを整理するため、画面の絵具を削り落とした。そのことで今まで重ね続けてきた様々な自分を見えた 。
画面に対して行った行為そのものが絵画表現となるよう目指した。

黒色の絵の具と白色の絵の具、2つの絵の具が混ざらないようにそれぞれ膜を形成する物質を混入させている。黒色と白色の絵の具は比重が異なり、黒色の方がより重たい。ポーリング技法によって、水たまりのように、絵の具たまりを画面上に用意すると、黒色の絵の具は深いところへ、白色の絵の具は浅いところへ向かうのである。2つの絵の具の境目はどこにあるのだろうか。

私の友人、彼女の柔らかな肌と細やかな息遣い、そして芯の強さ。周りの樹々が作り出す空気・光。
特段するコンセプトはありませんが、筆が躍るまま、絵の具が伸びるままにその一瞬を描きとるよう努めました。
私だけでしょうか、相反するものがその瞬間に同居し、その空間となることが、心おどり美しく感じます。
人々の喧騒を忘れるような彼女の静かな美しさ、柔らかく軽快で、かつ鮮烈なこの夏の匂いと光が皆様に伝われば幸いです。

つぼみがひらき、香り、いつのまにか散る。
おわったのかはじまったのかよくわからない。
鏡の前に立って見ると、つづくことは悲しいことだと思う。

私は　 抽象画家として 記憶の中に在る人との関係、会話、風景などの印象を
色彩と形で表現しています。
この作品は　 人間関係の複雑な様相を描いています。その悲劇、喜劇の織りなすドラマです。
また　作品を見る人と　絵が持つポジティブなエネルギーを共有したいと常に思っています。

書く、掻くは『かく』の語源にあたると聞いた。
掻くは、爪で引っ掻いたり、石や木で字などを刻んだりする原初的行為だ。
例えば熊が木に爪痕を刻むマーキングは縄張りを示し、存在を周りに伝えている。
そういえば、人が観光など行ってどこかに落書きをするのは、縄張り意識が残っているせいなのかもしれない。
これも一種のマーキングなのだろうかと考えてしまう。
削り、塗る行為を只只繰り返し留め残そうとする。
やがて形作られ　　 が浮き上がり始める。

旅先での光景。
結局のところ、私が彼女を見ることはこの先もう二度とないということだけが私が責任を持って言葉で語れることであり
実感を持って知覚できるこの世界の事象である。
ただ通り過ぎたのではなにものも語り得ないのは自明のことで。
ただ傍観の視点でしか見えないものを今はただ
落とさないように、損なわないように
どこかに保管をしておくということをするのみである。

この作品は、独自に創造したキャラクターが私の故郷であるフランスの村の空を漂う様子を描いています。
この創造したキャラクターは私自身が投影されたものであり、拠り所を見つけようとする私の姿が表現されています。
日本で学んだ伝統的な描画による表現と平滑な表現によるアニメ画像のような二つの異なる要素を対面させる事によって独特な表情を持った作品を作りたいと考えています。

はじめは、幸せな絵が描きたかったのです。（私にとってあの黄色い物体はセーターだったのですが、）気分に任せて、ひっくり返って飛んでいたり、歪んだり、自由奔放で、わがままな絵だと思います。感情を一つの部屋に見立ててみて、こちらからあちらへと媒介する空間になっているような作品です。