シェル美術賞2016　受賞・入選作家一覧

描かれている灯台は私の故郷にあるものです。
その昔灯台を作った当時の人々の姿、遠縁の詩人の男性が灯台下の松林の中で海を眺め思いを巡らせた時間、
そして2016年に生きる私が改めて知る機会を得た境界の光景。
灯台下暗しとは面白い言葉だと思います、流れて行く時間の中に気付くことの難しい深みや奥行きが隠されているのであれば、それを感じ紡ぐ事で人それぞれの世界の有様を見出す事ができるのではないでしょうか。

私は普段から生や死について考える事が多く自分の作品のテーマにする事が多いです。今回の作品は身近に迫る死の訪れ、命の儚さ、脆さをテーマに描いています。自分がこの世界に産まれてきた事、生きている事、死んでいく事の意味を日々考えていますがなかなか答えが見つからず一生の課題だと思っています。だから私は自分の絵にそれらを写し答えを模索しているのです。

私は主に銅版画を制作していますが、大学卒業間もない自分には、設備的に満足に制作できる環境は整っていませんでした。
そんな折、北海道・根室のアートプロジェクト「落石計画」で展示することになり、そこで行われた日光写真のワークショップを見て、この技法を用いて落石計画の集合写真の絵を描こうと思いつきました。初めての現地制作によってその土地の出来事を描いたこの作品は、自分にとって重要なものとなりました。

子どもたちとよく庭の花や、散歩の途中で見つけた草花で、ままごとをしている。
そこからヒントを得てこの作品が生まれた。
絵の中のモチーフは、長女が遠足で摘んで帰ってきたシロツメクサや、次女との散歩で見つけたつくしなど、日記のように、思い出がつまっている。
制作していた時間が、子どもたちがまだ寝ている早朝か、平日の次女のお昼寝中だったため、「白昼夢のままごと」というタイトルになった。
小さな寝息をたてている、明るいのに静かな午後の時間を表現したかった。

一見するとブルーのもやの様なこの作品は、気の抜けた筆致の集積で構成されています。自分も自然の一部だとすれば最期はこんなふうに空気に溶けたいという願いを込めており、タイトルは「空気のすきま」としました。また、手製の和紙に銅版画を刷るのは、「版」が制作過程においてイメージの「器」として機能し、私と作品の間に距離感をもたせてくれるからです。

自分の周りの景色や街並は日々変化していきます。一方で我々は場合によってはそれが変化している事にさえ気付かず、以前その場所がなんであったか、その場所で何があったかさえも忘れていきます。その時、その場所で何があったのか、今の自分が何を忘れたのか、自分とその時の周りの関係性を含めて俯瞰できる記録のような絵画・風景を作品として制作しています。

主に無背景の人物画を描いていましたが、何か語る必要があると思い、風景を加える事に。しかし物語ろうとすると、文章で伝達できるような気がして中々進まず。ある時、服のデザイナーと知り合い、彼の服を着たモデルを描くと決まりました。花弁のようで空に流れる形。そこを出発点として色片、都市、水、亀裂、樹木等をにじんだ空間に立ち上がらせるというコンセプトが浮かびました。出会いに任せて生まれた絵かもしれません。

この作品はできる限り電灯は使わず、自然光の下で描くようにしました。日々制作するなかで自然光でしか見えない色や絵肌があることに改めて気付かされ、その発見は作品を構成する大切な要素になりました。 制作していた期間には雨がよく降り、湿った緑が豊かな表情を見せていました。雨上がりの光にも惹きつけられました。それらの移り変わる様子も作品に大きく影響し、自然な形で筆を止める事が出来たと思います。

日常の中でふと何気ないものに共感を覚える瞬間があります。その感情はいつの間にか流れ去り日常の中に消えてしまいます。 しかしそれを逃さずにとどめようとすれば、時として告白という形をとって強く訴えかけてきます。 それは、自分の自分自身に対する告白のようにも思えるのです。

一度も見たことがないのに、自分がそこにいたと確かに感じる場所。体験しなかったもうひとつの過去。それはいつかどこかで本当に起こったことかもしれないし、私たちの未来の世界かもしれない。

“梅の花　たが袖ふれし　にほひぞと　春やむかしの　月に問はばや”
「梅の花の香りに、ふと思い出がよみがえる。
これは誰の袖が触れた移り香なのだろう。
昔と変わらぬ春の月に聞いてみたいものだ。」
本歌取りの歌がかつての歌を呼び起こすように。
見出された織物たちはそれぞれの時間が染み込んでしまっている。
切り裂かれ、縫合と脱色を繰り返し、それでもそこに残ったものは、光に照らし出されたかつての姿かもしれない。

水のある風景や生きるものについて描き続けています。
二度の出産を経験して、子どもの成長を見つめながらドローイングを描き、それらを通して、生命の普遍的な営み、人間の内的な世界、生きるとは何かについて視覚化していきたいと考えています。
羊水で満たされ、水と鼓動の音のする空間、そこには何かの気配を常に感じるようです。

作品「 splash 」を描くにあたり、水の跳ね上がり方を取材した。川に石を投げ入れて生じた水柱は、石の形、重さ、入水角度と、取材当日の風や波、対象となる川の水深などの諸条件に影響を受けることがわかった。そこには、 今作の基礎となったインスピレーションのみならず、私の作品制作全体をつらぬくコンセプトに通じるものがあった。

因と果の間にある距離そのものに惹かれます。

一頭の蝶のはばたきが台風になるような話でも構わないし、
一個の台風から蝶の位置を特定するような話でもいい。
関係ないかもしれないし、誤解かもしれない。その全てが愛おしい。

この絵に限った話をすれば、まずは蝶の軌跡を描きたいという衝動が先にありました。
只の壁面でしかないかもしれない。想像力は空間を生む。

わたしはもともと機械を見るのが好きで、また、京都の大学に入学し、学校の図書館で見つけた盆栽の本を読んだことをきっかけに盆栽についても興味を持ちました。
そして、わたしの好きな2つのモチーフを組み合わせたらどうなるかという好奇心でできたメカの盆栽であります。木の生きている部分とメカの人工的な冷たさを組み合わせました。
今回は柳が盆栽になり、髪の毛のような不気味な葉が垂れ下がっている作品になっております。
そして、背景の大きな高輪のような月や剥落など、ところどころに仏画を意識し描きました。

現実と虚構は紙一重だと思う。
夢の世界を現実に連れて来る事はできると思うし、夢と現実の世界を自由に旅しながら生きていければと思う。
考え方一つで世界はいくらでも変わっていく。
「生きていく事」とは…「優しさ」の裏にある「残酷さ」・「楽しさ」の裏にある「つらさ」・「あたたかさ」の裏の「冷酷さ」・「かわいさ」の裏にある「醜さ」。裏に隠された「憂い」も含めて『生活＝生きていくこと』なんだなぁと。

ここ数年、夜のあかりをモチーフに作品を制作している。光には色々な種類がある。
色や形や輝きも様々で、そして何より、人の存在を感じることができる。光そのものが、まるで生き物のようにも見えてくる。私は光を見ていて飽きることはない。
夕暮れとともにこぼれてくる、窓灯りもまた同じように。

この一年は凄く「描いてる」感じだった。気になる存在が、親しくなりたい存在がいて、ちょっとでもそれに近づくには、今の自分には描く以外の手段がない。

昨年、私はダンサーを目指している一人の女性と出会いました。ある夏の日の夜、彼女は自分の発表会での創作ダンスを私のアトリエで再現してくれました。少し固さがありつつも、汗ばみながら懸命に踊っている彼女を見て、曲と彼女のダイナミックな動き、リズム、集中と静けさのある「時間」が、私の中に親密と情熱をもたらしました。彼女との緊張感のあるその「時間」を私はずっと忘れない。

「概念」
日常的に写真を撮り、それらをコラージュし、油彩に描き起こす制作を行っている。「概念」とは外的刺激の一面ずつを切り取り、それらを組み合わせ、新たに構築されるものだと考えた。作品を通し自らの「概念」を出力したい。

「templum」という語はラテン語で「区切られた聖域」といった意味である。この語のtemの部分が「切る」という意味で、その派生としてそれ以上切ることの出来ない最小単位の粒がatom(a=否定、tem=切る)となる。
私は日本画材として現在使われている岩絵具を原子=atomという性質を持つものとして認識している。この原子によって構成された聖域を今の日本画材で表すことに意味があるように思われ、この絵を制作した。

そうじゃない日もあるけれど毎日最低六時間、丁寧を心がけて描きました。

日常の中でふと何気ないものに共感を覚える瞬間があります。その感情はいつの間にか流れ去り日常の中に消えてしまいます。
しかしそれを逃さずにとどめようとすれば、時として告白という形をとって強く訴えかけてきます。
それは、自分の自分自身に対する告白のようにも思えるのです。

元々あったものをしぼった液体がジュース。
ジュースは、空間に放たれた次の瞬間地面に落ち、しみこみます。
もうその姿を見ることは出来ません。
果実も、いつかは地面にしみこむことになる。
誰かに丸絞りされなくてもです。

元々あったもの自体ではないけれど、描かれた光景があります。
ジュースと同じで、私たちは、今も今も重力を受け続けていて、もう目の前には今まで見た全てが本当に無いけれど、それで終わりにはならない。

自然の中でおこる循環についてふと考え、立ち止まってみた時、そこには想像をはるかに超えた
深くて複雑な世界が広がっています。
日々、慌ただしい日常を過ごしていると、私たちもまたその一部であるという事を忘れてしまいそうになるのですが、
私たちもまた他の自然界のものと同様に、何かを持っていくことなく、
全てを残していく存在なのだという事を頭の片隅に置きながら描いた作品です。

最近、小さく古く汚い長屋から大きくて小綺麗な仕事場に引っ越しました。この絵は、汚い長屋で描いた最後の絵になりました。ネズミやゴキブリ、ナメクジ達との共同生活は破綻してしまいましたが、今後は小綺麗で大きな仕事場で大きな絵でも書きましょか。新しい生活です。

楕円や斜線、菱形のような形体は
風景のような奥行きをつくる一方で、目の前を浮遊するように視線を阻みます
距離の変容や脆さを繋ぎ止めるような絵を考えています

週一で大学の版画実習助手をしている。「石こう室」は講義後に描いた下画をもとに木版に彫ったもの。この場所は学生時代から何度も描いているお気に入りの場所だ。Ｓ60号を部屋に見立て俯瞰構図で石こう像やモデルデッサンの様子を描き込んだ。大変だったのは6分割した画面の一版多色刷りと、裏打ち作業だ。初めての大きな木版画は、ドローイングの線の勢いが失われたが、色面は表現したい感じをほぼ演出できたと思う。

自分の生活空間の中にあるものは、数多くあるものの中から、その時々の気持ちや状況によって選択されて残されてきたものです。そういったものをいつもモチーフにするのは、共に過ごした時間に起きたエピソードまで画面に留められるような気がしているからでしょうか。家族や大切な人との思い出をモチーフと混ぜ合わせて形にできれば、と考えています。

最近、ファストフード店でアルバイトを始めました。幼い頃から実家近くの別店舗へよく訪れて食事をしたものです。それが大人になった今、提供する側に回るとは感慨深いものがあります。日々取り扱う食品やパッケージなどを、改めて俯瞰して真っ白な心でいそいそと描いたのが今回の作品です。ファストフードという名の通りのハイスピードな提供&飲食により、商品としての形を残す時間がほんの少しな食べ物とその仲間たちを瞬間パックしました。

私は海の中に潜ると、果てしなく広がる世界とその中で生活を営んでいる神秘的な生命体の不思議さに驚かざるを得ない。このように神秘的で不思議な美しい海の中の世界、またその風景、その中で行われる生命体の営みは私に無限の感動を与え、それはまさに自分自身の創作活動においてインスピレーションの源となっており、新しい創作活動のエネルギーをもたらしてくれる。これらのインスピレーションが私の制作経験や記憶と混ざり合うことによって、 創造的かつ芸術的な表現を生むのである。

故郷でもないのによさや懐かしさを感じる時があると思います。
そんな時のことを考えて描いたこの絵は、私にとっての理想でもあります。

僕の周りにある全ては僕の友だちである。
僕が消えてしまったら僕の友だちも消えてしまうだろう。なので、僕の友だちは永遠でなければいけない。

この絵は完成するまでどんな絵になるかわからなかった。毎日単純に「どうなるか見てみたい」と直感的に思うことだけをして、辿り着いた景色だ。『若女』は能面の一。描きあげてからぼんやり眺めた時、「こいつは、ただの女じゃない」と不思議な気持ちになった。

私が普段から美しいと感じている自然の持つ線や形、空間を抽出し、自由に色を響き合わせるようにして制作。
まだ見たことのない美しいものを目にしてみたい一心で、創造し、描いています。
見る側にも私の描く色彩がまるで倍音のように広がりを持って、心地の良いものとして届けることができたらと思っています。

水面を人の心に喩えて描いています。人は一人では生きてゆけず、家族、学校、会社等の集団に入る必要があると思われています。ですが時にそれらの慣習や気持ち、考え方は、鋭い雨のように襲いかかることもあります。水面の像は深さを失い、水平に揺らぎ伸ばされ、やがては全て赤く均質になってしまいそうです。それでも、雨の中で揺らぐ光はたとえ何も像を結んでいなくても、懸命に生きようとする人の輝きに似ていると思います。

外側から見た内側、僕はそこに遠くを感じ、誰か知らない他人の窓から漏れる生活の灯りにそれを見た。
僕は四角いキャンバスを窓に見立てて描いた。誰かの灯りを描けるのではないのかと思った。けれども、窓の向こうにまた窓。結局また外に出てしまった。通り過ぎてしまった。もしかしたら諦めるしかないのかもしれない。諦めきった外側から眺めるものにしか見えない内側の灯りがあるのかも知れない。そんな事を思った。

「フェンス」で描きたかったものは、現代社会の中にある〈境界〉であり、絵画と現実を繋ぐ〈境界〉でもある。

見るという行為が脳の処理によって成立するものならば、見えている像は必ずしも現実を正しく映し出すものではなく、むしろ脳が作り上げた幻影でしかないのかもしれない。
しかし、虚実の境界に微かに浮かび上がる儚く移ろいやすい波は、その幻影の中にのみ留めることができる。
その波を、この手で掬い取りたいと願う。

時間と存在。

時間は唯一平等。
他の何にも邪魔されない清く白い実体のない概念。
対して私達を含めたこの宇宙は万物が凸凹で不平等。

この世界であなたは「今」何を祈りますか？

祈りは人それぞれ、でもきっと未来の光へ向かっています。

世界の外側に神様はいますか？
私は私達に祈る。
神様は初めから誰の中にもいるのですから。

寄せては返す満ち欠けの世界。
いつか私達は平和な世界へたどり着く。

この過程の世界で「そこに立つこと」。

実はシンプルに美しいことだと気付きました。

この作品は、僕の身の回りをミニマムで記号的な形にした絵画です。
『猫水』は人間が作ったルールをイメージし、『猫』の行動はそれに従わない本能を表しています。
そして、蝶は『春』、猫は『冬』、ペットボトルは『夏』、南天は『秋』、と各モチーフで四季を表現し
最小限の『小さな世界』を作っています。

トマトをモチーフに描きました。トマトは1粒だと、赤く可愛らしい見た目をしています。
けれど1粒2粒‥‥と何粒も集めていくと、だんだん可愛らしい印象は無くなっていきます。
やがて、画面いっぱいにトマトで埋めつくされた時、トマトは1つの大きな赤いかたまりとなって、私はその中へとのみ込まれていくような感覚になりました。

焼き尽くせないのなら、煮込んでみるのはどうだろうか。

写真に撮ったものを描く。写真に撮ることで情報が減るので。
ある日湯船につかっていると目の前の風景が牛にみえた。裸のまま濡れた体のまますぐに飛び出しスマホをとりに行って、、、、、なんてアーティストみたいな事はできないので普通に入浴をすませTシャツとパンツをはいてズボンをはいてスマホを急いでとりに行った。

水平線には唇があり
夕日は開かれた空隙に呑まれてゆく。
唇は夜に震え出す。
夜気が波打ち、私はちいさな声を感じる。

深夜に制作していることが多いので、
その時間散歩に出るといつも微細な震えを肌に感じます。
夜の唇があるのだと思っていました。
その振動が夜を満たして、
羽音のようにかすかな動きと音になるのだと。
今回はステートメントのない公募ということで、
日頃感じていた感覚を描きました。

ボッティチェリが絵具をつけた海綿を画面になげつけても、人はそこによき風景を観る。
と言い、ダヴィンチはその言い分を批判した。
このやりとりは、私に多くの事を教えてくれる。
子供の頃、板の木目が顔に見えたり、雲の形が動物に見えたりなどの想像が、純粋体験となって
私の絵画制作と結びついている。
この度、3点出品した作品のうち、まだ荒削りだったこの作品が入選し、言いたい事が顕著に表現できた。
「絵画の気配 2」が落選となった。この意識のズレは、とても大きく検証が必要だと感じている。

私は今、「oneness」をテーマに制作しています。人間も動物も虫もたった一つの地球に生きるたった一つの命です。お互いを傷つけず、とりすぎず、欲張らず・・・。クマノミとイソギンチャクがともに協力し合って生きているように、私たち人間も、お互いを認め合い支えあって生きていけたらよいと思う。命と命のふれあいや、せめぎあい、何かと何かとの境界すれすれを表現していくことに挑戦したいと考えています。

自然の中で気になった様々な形の植物の断片を集め、山や雲など自分のイメージしたものになるよう画面上で再構築した作品を作っています。今回は一塊に集まった植物と木漏れ日をイメージしています。また、油彩部分と顔彩部分を作り、表情や質感の違いを出しました。

私は日常に潜むリアリティとは何か、描くという行為によって可視化しようと試みています。
ある風景を見た時に、視覚によって得られるものとそこから湧き出る自分の記憶や感覚によって見えてくるもの、そのどちらにも画面を通して向き合い、作品を”そこにあるもの”として自立させたいと思っています。

私はドール達を、ドール達に「人格を打ち込んで」想像(私の中の理想の世界)の投出としてあるいは一種の映像として利用しています。
つまり、作品に登場するドール達は私自身のジェンダーやセクシュアリティ観を反映しているものです。
作品のタイトルになっている「Cross dressing」とは「異性装」という意味です。
私は本人が一番気持ちのよい装いをする事が、その人が最も美しく見える形だと思うのです。

この作品の前に、壁にもたれかかるプラスチックガールを描きました。
硬くて冷たい壁、けれど絶対にそこにあるというある種の安心。
手にもたれかかるプラスチックガール。手は、永遠にそこにあるものではありません。
いつなくなるかもわかりません。だから、もたれかかるには勇気が必要です。
でも、壁にはない温かみがあります。
そんなことを考えて描きました。

樹齢500年を越す大きな木。ざわめく枝葉。キラリと輝く陽の光。
その中で、パラパラとこぼれ落ちるどんぐり。
『目にうつる全てのことはメッセージ』というフレーズを思い出す。
長い長い年月を経て、どんなに姿や形が変わっても、本質は変わらないのだと。
全てのことに感謝しながら、作品に込めて、まだ見ぬ未来へ邁進していきたい。

この作品は「作品」の終着地点は美術館への収蔵なのかという考察に基づいて描きました。現時点での展示形態の一つをそのまま絵画として描くことで、アートが非常に多角的な視点に基づいて出来ていることを比較しようと試みています。
また、描かれている時計が刻む時間は絵画の歴史を意味し、あえて縦にすることで歴史観の見方を問いかけとしています。

私の描く絵には焦点がありません。焦点のないフラットで背景のような画面は、見る人によって様々な見方ができると思うからです。

実際に見た風景をもとにドローイングを重ね、絵の中から要素を最小限に削ぎ落とすことで、近景と遠景、具象と抽象、現実と空想、全ての中間地点に在るような絵画を目指しています。